Paga con Bizum o en 3 o 4 plazos con Alma
DJ, compositor y curador musical, Dj One Up conoció primero la música a través del baile. Originario de Poitiers, creció entre la guitarra de su padre, la colección familiar de vinilos y tíos y tías que recorrían los concursos de baile de las discotecas de los años 80. Fue breaker de 1998 a 2001, antes de descubrir en 2000 los platos de vinilo de un amigo, el scratch y el control manual de la música. En 2003, le llaman para pinchar en su primer battle de baile: en ese momento sabe lo que quiere hacer.
Tras llegar a Nantes en 2007, convirtió esto en su profesión a tiempo completo en 2009. El festival Hip Hop Session le sirvió de trampolín, hasta lograr una residencia de quince años, junto a DJs que le inspiraron como DJ Ben, Billy Brown o DJ Renegade. Después llegó el panorama internacional, el evento Evolution en Nueva York y, más tarde, dos proyectos de gran envergadura: la curaduría musical del breaking en los Juegos Olímpicos de París 2024, cerca de 400 temas concebidos por décadas, y la dirección artística de una veintena de temas originales creados en Tokio con trece músicos japoneses para el Red Bull BC One.
En este episodio de Tales, habla sobre el concierto de Joe Cocker que le conmocionó a los ocho años, sobre el reconocimiento de sus iguales en una cultura de competición, sobre el equilibrio entre crew y originalidad, sobre el sello francés del DJing de battle y sobre lo que ocurre entre el DJ y el bailarín desde los primeros segundos de un tema.
Dj One Up - DJ, compositor y curador musical
La entrevista Tales
Si te remontas lo más atrás posible, ¿cuáles son tus primeros recuerdos de música?
Tengo varios, y están muy ligados a mi familia. Los primeros recuerdos que me vienen son los de mi padre tocando la guitarra durante los momentos familiares: los cumpleaños, las comidas, las reuniones con los primos, las primas, los tíos y las tías. Es algo que realmente me marcó de niño, que me acompañó.
También había una colección de discos de vinilo en casa de mis padres y un tocadiscos vertical Mitsubishi, bastante particular. Nos enseñaban cómo colocar un vinilo, cómo tener cuidado con la cápsula. Era un aprendizaje, casi un ritual. Esas dos cosas (la música tocada y la música escuchada) estructuraron de verdad mi relación con la música.
También hay un recuerdo muy intenso: el concierto de Joe Cocker. Tengo ocho años, mi padre me lleva al Futuroscope, cerca de Poitiers, de donde soy originario. Recuerdo cada minuto de aquel concierto. No esperaba en absoluto lo que iba a sentir. A esa edad, todavía estoy muy lejos de todo eso, juego al baloncesto, vivo mi vida de niño. Y entonces recibo un golpe emocional.
¿La música estaba entonces muy presente en tu entorno familiar?
Sí, de forma natural. Hablo a menudo de music lovers. No había profesionales en la familia, pero la música formaba parte del día a día. Bailábamos mucho, especialmente por parte de mi madre: mis tíos y tías eran bailarines de discoteca en los años 80, participaban en concursos. El baile era una relación directa con la música.
No había fronteras, nada era intocable. Vivíamos con la música. Formaba parte de lo cotidiano.
¿Cómo evoluciona después tu recorrido, de la escucha a la práctica?
Primero hay una etapa importante: la autonomía. El paso de lo colectivo a lo individual. Los walkmans, las cintas y después el Discman, el MiniDisc. Ahí empiezo a tomar mis propias decisiones musicales. Mi padre escuchaba mucho rock, mi madre canción francesa. Y por parte de mis tíos y tías, ya había primeros indicios de cultura hip-hop.
Los discos de De La Soul o de NWA que todavía tengo hoy vienen de ahí. Esa autonomía me lleva de forma natural hacia la cultura hip-hop.
Después está el baile. Antes de ser DJ, fui bailarín, breaker. Entre 1998 y 2001, tomo clases de baile hip-hop en un centro de barrio, con mi hermana. Es mi primera relación profunda con esta cultura.
En 2000, conozco a dos amigos cercanos, Meryl y Florian. Florian tiene unos platos de vinilo. Descubro de verdad el DJing: el scratch, el control manual de la música. Es un momento clave. Aún no es más que una afición, pero siento que encaja conmigo a todos los niveles: musical, técnico y emocional.
¿Cuándo pasa a ser más que una afición?
En 2003. Me llaman para pinchar en mi primer battle de baile. Y ahí sé que es lo que quiero hacer. No necesariamente como profesión en ese momento, pero sí de forma habitual. Siento algo muy fuerte: una combinación entre dominio técnico, precisión musical y la respuesta del público.
A partir de ahí, dejo muchas cosas de lado: el deporte, los estudios. Me concentro en el DJing. En 2007, llego a Nantes. Empiezo a hacer mis primeros bolos profesionales. En 2009, se convierte en mi profesión a tiempo completo.
Entre 2009 y 2015, desarrollo de verdad mi universo. Conozco a personas importantes, empiezo a tocar internacionalmente, desde 2010. Trabajo en el ámbito que más me apasiona: el break, los battles, los b-boys y las b-girls. También desarrollo mi trabajo como compositor.
¿Hay encuentros o eventos que cambien realmente la trayectoria?
Sí, claramente dos.
El primero es el festival Hip Hop Session en Nantes. En 2008-2009, pincho en los battles clasificatorios. En 2010, el equipo de Pick Up Productions me invita a tocar en el evento principal. Voy pensando que quizá será la única vez en mi vida.
Después de ese evento, mi vida cambia. Me encuentro pinchando junto a DJs que me habían inspirado durante años, como DJ Ben, Billy Brown o DJ Renegade. Hip Hop Session me puso en el mapa mundial de los DJs de battle. Me convertí en residente durante quince años.
El segundo momento es el evento Evolution en Nueva York. Es mi primera vez en Estados Unidos. Invitan a muy pocos europeos. Allí toco algo mágico. Veo a los crews que miraba en Internet, el Rocksteady Crew, a los primeros bailarines patrocinados por Red Bull, a DJs internacionales. Estoy en el origen. A partir de ahí, estoy decidido a hacer solo esto: ser DJ y compositor dentro de la cultura hip-hop.
¿La validación de tus iguales desempeña un papel importante?
Enorme. Ser reconocido en Francia, en Europa y, sobre todo, en Estados Unidos cambia muchas cosas. Esta cultura es competitiva. Hay que hacerse un sitio, demostrar tus skills. Ese reconocimiento me dio confianza. Me permitió atreverme más, afirmarme, dejar de ser solo un fan y ocupar mi lugar.
¿Cómo ves el equilibrio entre lo colectivo y la individualidad dentro de la cultura hip-hop?
La cultura hip-hop nació de los crews, de gente que vive en el mismo barrio, a veces en el mismo edificio. Es colectiva por esencia. Pero se desarrolla sobre una habilidad fundamental: la originalidad. Incluso viniendo de un colectivo, la idea no es copiar, sino crear tu propia identidad.
Nunca quise ser una copia de nadie. La idea era ser yo mismo, inspirándome en quienes me precedieron. Hoy, esa relación con lo colectivo se encuentra mucho en la transmisión. He recibido muchísimo. A mi vez, intento transmitirlo a la nueva generación.
Desempeñaste un papel clave en los Juegos Olímpicos de París 2024. ¿Cómo surgió?
Primero contactaron conmigo en 2019 para pinchar como DJ en las clasificaciones mundiales de breaking. Después fui yo quien se puso en contacto con los equipos de París 2024. Propuse una reflexión sobre el lugar de la música en esta disciplina.
En aquella época, no había realmente una cuestión musical. Solo hacían falta DJs. Defendí la idea de que el break sin música no tiene sentido. Tras muchas conversaciones, me confiaron la curaduría musical.
Propuse un trabajo por décadas, desde los años 70 hasta hoy, para mostrar el árbol genealógico musical del break: funk, hip-hop, rock, músicas de América del Sur, bossa nova… En total, cerca de 400 temas. La idea era mostrar esa riqueza a los ojos del mundo entero.
¿Los Juegos Olímpicos han cambiado la disciplina de forma duradera?
Fue un enorme foco mediático, pero más bien un destello. La disciplina ya estaba estructurada, con eventos importantes. Los Juegos Olímpicos aportaron medios, comodidad, patrocinadores. Pero son sobre todo los eventos culturales existentes los que siguen manteniendo viva la escena.
Últimamente, has asumido la dirección artística del Red Bull BC One en Tokio.
Mi relación con Red Bull y, en particular, con el Red Bull BC One, viene de lejos: trabajo con la marca desde 2015. Para la edición de Tokio, los equipos establecidos en Austria se pusieron en contacto conmigo con una petición precisa: desarrollar una nueva generación de temas específicamente dedicados a la disciplina del break.
El Red Bull BC One reúne a dieciséis bailarines y dieciséis bailarinas, los mejores del mundo en un momento dado. A ese nivel, la música es determinante. Acompaña una actuación bajo una presión muy alta, en un marco extremadamente codificado.
Para Tokio, asumí la dirección artística de un proyecto musical inédito, en colaboración con trece músicos, beatmakers y compositores japoneses. Trabajamos en el estudio allí mismo para crear una veintena de temas originales, pensados tanto para la competición como para los usos mediáticos en torno al evento.
El reto era cruzar varios universos: instrumentos tradicionales japoneses, influencias procedentes de la cultura gaming y las exigencias muy específicas del break en battle. Mi papel consistía en orientar el marco artístico, velar por la coherencia general y, al mismo tiempo, dejar una gran libertad a los artistas.
Estos temas se integraron después tanto en la competición como en los contenidos de Red Bull BC One. Es un proyecto que me gusta mucho, porque conecta creación musical, cultura local y rendimiento al más alto nivel.
¿Existe una «French Touch» en el DJing de battle?
Sí. Hay un toque francés. Una relación más orgánica con la música, a menudo influida por otras culturas, otros estilos. Personalmente, me marcan mucho las sonoridades de Oriente Medio, del Norte de África. Esta originalidad, esta forma de salirse de los códigos estadounidenses, lleva mucho tiempo siendo reconocida entre los DJs franceses.
¿Cuál es tu relación con los bailarines en battle?
El DJ está ahí para acompañar el baile, pero no solo eso. Debe proponer atmósferas. Desde la introducción de un tema, sabemos si va a funcionar. El primer track puede cambiar la forma de un battle.
La música puede sublimar a un bailarín, llevarlo a lugares que no había imaginado. Esta responsabilidad es importante. Cuando la música y el baile se encuentran a la perfección, se crean momentos que no se olvidan.
¿Si tuvieras que imaginar el evento de break definitivo?
Volvería a la fuente. A Nueva York, al Bronx, donde DJ Kool Herc celebraba sus primeras block parties. Un evento en forma de jam, en la calle, con la flor y nata de los bailarines y los DJs. Volver a la esencia.
