Los 10 errores de mezcla que debes evitar a toda costa

Vivimos una época fantástica, y inmortalizarse mediante una grabación musical ya no es patrimonio exclusivo de los clientes de estudios de varias decenas de miles de euros.
Hoy en día, basta con un ordenador con un software tipo Pro Tools, Cubase o Live, una interfaz de audio (existen modelos económicos y de gran calidad en Focusrite, Presonus o Steinberg) y un micrófono todoterreno (como el clásico Eagletone CM60 o el indestructible Shure SM58) para realizar un álbum totalmente creíble.
El problema ya no es tanto el equipo como el uso que se hace de él; por eso siempre viene bien contar con alguien experimentado y seguir sus consejos.
No hay reglas estrictas porque hablamos de elecciones artísticas, así que no vamos a deciros qué tenéis que hacer.
Aun así, sí hay cosas que NO hay que hacer, que corren el riesgo de haceros perder mucho tiempo.
¡Aquí van 10 errores de mezcla que debes evitar a toda costa!

¿Tú tampoco te puedes permitir mezclar tu álbum ahí? ¡No te preocupes, no todo está perdido!

No dejes tus asuntos por ahí

El trabajo de limpieza previa a la mezcla es una etapa crucial.
También es una etapa tediosa y menos «sexy» porque, cuando limpias, en realidad no estás haciendo sonido.
De hecho, los ingenieros de sonido “estrella” delegan esta responsabilidad en sus asistentes y solo empiezan cuando el mix está limpio.
Todo empieza por la organización de las pistas: nombrar las pistas con denominaciones claras, agrupar las pistas por instrumento para tener todos los elementos de la batería juntos, todas las guitarras y todas las voces a mano, asignar un color a cada tipo de instrumento, ocultar las pistas que no se usarán, crear grupos y subgrupos…
Una vez que tu sesión tiene la mejor presentación posible, toca la limpieza de audio: quitar las trazas del clic al principio y al final de las pistas, eliminar las charlas del cantante antes de su toma, quitar el conteo inicial con los golpes de baqueta…
¡Trabajo no falta!

No dejes que la espontaneidad de los músicos vuelva turbia la mezcla

Hoy vivimos en una época en la que un músico que comete un pequeño error durante una toma en estudio no está obligado a retomar el tema desde el principio, y a menudo ni siquiera necesita repetir la parte en cuestión, ya que es fácil ir a buscar la nota en otro sitio si se trata de una parte musical que se repite varias veces en el tema.
El grueso del edición/montaje de audio se hará sobre las entradas a tiempo y el acompasado.
En la excitación del momento (y ayudado por el estrés de la grabación), los músicos no siempre tocan perfectamente juntos, y si se nota demasiado, el oyente tendrá la impresión de que no saben tocar y la mezcla se volverá más compleja, ya que intentarás ocultar esos “más o menos” en lugar de magnificar el sonido del conjunto.
¡Un poco de edición y todo eso quedará en el olvido!
Por supuesto, el montaje debe ser lo más limpio posible; si se nota, será aún peor.

En el peor de los casos, si los músicos son realmente malos, existen instrumentos virtuales totalmente creíbles, como el clásico Kontakt.

No mates la espontaneidad de los músicos

El problema con el montaje es que hay que combatir constantemente la tentación de ir demasiado lejos.
Dicho de otro modo, uno puede llegar a crear desde cero una interpretación musical absolutamente perfecta técnicamente pero que borra por completo las intenciones artísticas de los instrumentistas.
Conviene, por tanto, diferenciar entre las imprecisiones que arruinan la energía de un tema y las que añaden espontaneidad.
El problema es que no hay una regla fija y esta etapa apela a tu sentido artístico.
Una buena forma de decidir es escuchar el tema “con una sola oreja”, es decir, desde otra habitación o mientras haces otra actividad.
Si aun así el defecto te salta al oído, mejor hacer algo al respecto.
Si solo lo percibes durante una escucha concentrada y analítica, es muy probable que no perturbe el mensaje musical.

No apiles información

La mayoría de los DAW permiten acumular un gran número de pistas reproduciéndose simultáneamente, pero eso no significa que tengas que usarlo todo.
“Más” no significa necesariamente “mejor”, y cuantos más elementos suenen a la vez, más tendrás que ingeniártelas para darles un hueco en la mezcla.
Si la pista en cuestión no contiene una información indispensable, intenta prescindir de ella y verás cómo los demás elementos quedan automáticamente realzados.
Un ejemplo muy sencillo: en el metal es habitual doblar las partes de guitarra, pero en cuanto apilas más pistas que las dos principales en estéreo, el sonido se vuelve más confuso.
Reserva la tercera y cuarta guitarra para partes muy concretas y relativamente cortas; ganarás en pegada.

Dos reverbs de placa, una al lado de la otra, cada una pesando más o menos como dos caballos muertos.

No lo ahogues todo en la reverb

La reverb es un tapa-miserias que no tapa nada: al añadir un bonito ambiente, da la impresión de que el sonido del instrumento es más bello, halaga la voz y hace que los errores sean menos visibles.
Hasta aquí todo bien, ¿no?
Salvo que la reverb es muy invasiva, vuelve la mezcla mucho más borrosa y reduce el impacto de los ataques.
Cuando es un efecto deliberado, como en las producciones de Brian Eno de los años 80, el exceso de reverb se justifica por una toma de posición artística.
Pero para la mayoría de los demás estilos, la reverb debe percibirse pero no oírse: cuanto más discreta, mejor hará su trabajo de separar ligeramente los distintos instrumentos.
Una reverb más marcada y con carácter puede ser interesante como efecto puntual, y en ese caso incluso puede ser buena idea integrarla directamente desde la fase de toma.

No comprimas como un animal

La compresión la usa todo el mundo.
No hay álbum en el mundo en el que no se haya utilizado este tratamiento.
Al elevar los niveles demasiado bajos y bajar los demasiado altos, la compresión permite obtener un volumen más constante para encontrar más fácilmente la mejor ubicación del instrumento en la mezcla.
En una voz, por ejemplo, la compresión es indispensable para evitar palabras cantadas demasiado lejos o demasiado cerca del micro.
El problema es que si comprimes en exceso, pierdes toda la dinámica que da relieve al tema.
Además, un tema demasiado comprimido se vuelve enseguida fatigante para el oído, y lo que al principio parecía un tema con pegada y al frente se convierte rápidamente en una papilla agotadora.
Así que comprime, sí, pero no mates la dinámica.

Los plugins de compresión Fairchild de UAD. Puedes buscar una máquina original de la época, pero te puede salir por unos 50.000 dólares…

No ecualices subiendo todo

La ecualización es el nervio de la guerra de una buena mezcla: al encontrar las frecuencias propias de cada instrumento, evitas que se pisen y no hace falta hacerlos destacar comprimiendo si cada uno tiene su lugar reservado en algún punto entre 20 Hz y 20 kHz.
Sin embargo, incluso esta querida ecualización puede convertirse en una trampa peligrosa cuando sucumbimos al canto de sirena del boost sistemático.
Dicho de forma más simple: una EQ puede cortar o realzar (boostear) las frecuencias seleccionadas.
El problema es que, al boostear, los instrumentos acaban peleándose por el espacio sonoro, incluso más que antes de ecualizar.
Al cortar las frecuencias inútiles para conservar solo las bandas propias de la pista en cuestión, la mezcla gana mucha claridad.
Claro, la pista escuchada en solo sonará de forma menos halagadora, pero esa es una de las claves de una buena mezcla: no hay que perder de vista la función de cada pista en el conjunto.
La ventaja añadida de la ecualización sustractiva es que evitamos niveles demasiado elevados, lo que nos lleva al siguiente “prohibido”…

No mezcles en rojo

En la bendita época de los magnetófonos de cinta (de la que solo son realmente nostálgicos los que no la vivieron), se podía llevar cada pista hasta la distorsión («en rojo», en referencia a la aguja del vúmetro entrando en la zona roja) y el resultado era una compresión general agradable al oído.
El problema del digital es que, en cuanto rozas la zona roja, el resultado rara vez es musical.
La distorsión digital (y el clipping en el peor de los casos) es un artefacto especialmente indeseable y puede delatar al instante el lado “amateur” de tu producción.
Atención también a esta regla tan simple: varias pistas en verde pueden dar una mezcla en rojo.
Así que mantén un ojo atento en el indicador de tu bus master y no dudes en bajar todos tus niveles.
Es mejor dejar margen que jugar al límite.

Hubo un tiempo en que las grabaciones se hacían así…

No dejes que las fases arruinen la fiesta

El principio de la fase es simple: se trata de la concordancia entre las formas de onda de dos sonidos.
Cuando esas formas coinciden, están en fase.
En cambio, cuando una representa el negativo de la otra, están en oposición de fase.
En la práctica, una oposición de fase hace que, en lugar de engordar el sonido, la suma de la segunda pista quite frecuencias y vuelva el sonido más pequeño.
Es un problema muy común cuando dos micros captan la misma fuente a dos distancias distintas, por ejemplo dos micros en una pantalla de guitarra eléctrica, o un micro de overhead y un micro de caja.
Escucha atentamente las pistas por separado y luego juntas, y si algo te suena sospechoso, invierte la fase (muchos plugins permiten hacerlo).
Con unas buenas pantallas/monitores, sabrás enseguida si esa inversión es necesaria.

No te precipites

Hubo un tiempo en que un álbum se hacía en un estudio dentro de un plazo muy concreto y cada minuto costaba mucho dinero.
Con la llegada del home studio, hemos perdido el material de primera que había en los estudios pro, pero a cambio hemos ganado tiempo, ¡mucho tiempo!
Así que tienes el lujo de dejar reposar tu mezcla durante unos días y volver a ella con oídos descansados y con perspectiva.
Es un activo valioso, ¡aprovéchalo!

… ahora, más bien así.