Todos los años, con el Año Nuevo, haces tu lista de buenos propósitos. Entre « comer cinco verduras al día (contando la lechuga y el tomate del Big Mac) » y « apuntarte a clases de yoga », vuelves regularmente a esa promesa que te hiciste a ti mismo: « escuchar jazz ». Así que, para ayudarte a cumplirla, hemos elegido un álbum para escuchar cada mes. Sigue la guía: para eso (también) estamos aquí.
Como con cualquier estilo musical, disfrutar del jazz requiere ponerse un mínimo para desarrollar la cultura que permite pasarlo realmente bien. El problema es que se trata de un estilo que no suena en la radio y que cuesta escuchar si no has tenido la suerte de iniciarte. Pero seas músico o melómano, el universo del jazz es apasionante y, si te tomas la molestia de poner estos diez discos en bucle, ¡ya nunca te sonará a música de ascensor!
Miles Davis – Kind Of Blue
Si solo quedara uno, ¡sería sin duda este! El clásico de los clásicos, el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos y uno de los más fascinantes. En cinco temas, Miles y su equipo de choque (con John Coltrane y Cannonball Adderley a los saxos y Bill Evans al piano) inventan la música modal a base de improvisaciones cada una más inspirada que la anterior, y este hallazgo fue una revolución para todo el mundo, del jazz a Grateful Dead pasando por Hendrix. Cada nota está tocada con gracia, y en cada nueva escucha se descubre una profundidad adicional. Intemporal y poderoso, y excepcional incluso dentro de la discografía dantesca de Miles.
John Coltrane – A Love Supreme
En 1964, armado con su flamante Selmer Mark VI, Coltrane graba la obra que define su estilo mejor que ninguna otra. El poema místico en cuatro partes A Love Supreme está a medio camino entre el hard bop de su primera etapa (especialmente Blue Train) y la rareza hipnótica de sus futuros discos de free jazz. El baterista Elvin Jones añade aquí su genio de la percusión, que inspirará enormemente a Christian Vander (Magma). Hay muchos discos de Coltrane que merecen explorarse (Giant Steps, My Favorite Things… en realidad nunca firmó un mal álbum), pero este tiene algo extra, que no es poco decir.
The Dave Brubeck Quartet – Time Out
Definitivamente, el 59 fue un año magnífico para el jazz… El pianista Dave Brubeck firma aquí su obra maestra, en la que aparece incluso el tema que más se acerca a lo que podríamos llamar un “hit” en el ámbito del jazz: el célebre Take Five, que aun así no es precisamente bailable con su compás de 5/4. De hecho, todo el álbum es una exploración de las posibilidades compositivas de los compases asimétricos, como el famoso Blue Rondo à la Turk en 9/8, adaptado por Claude Nougaro bajo el nombre A bout de souffle.
Charles Mingus – Mingus Ah Um
¡Otro obra maestra de 1959! Esta se debe al genial contrabajista y compositor Charles Mingus, que firmó muchos otros discos apasionantes (Pithecanthropus Erectus, The Black Saint And The Sinner Lady…). Este destaca por la gran calidad de sus composiciones, entre ellas el estándar Goodbye Pork Pie Hat, que se convirtió en un clásico del rock en manos de Jeff Beck. Ah Um es una especie de autobiografía musical en la que Mingus explora, tema a tema, todas sus influencias marcantes, en una auténtica inmersión en su compleja personalidad.
Herbie Hancock – Maiden Voyage
En 1965, el pianista Herbie Hancock tenía solo 24 años. Aun así, cincuenta años después, Maiden Voyage suena como una obra de una madurez impresionante. Las composiciones son magníficas (Maiden Voyage y Dolphin Dance se han convertido en verdaderos estándares) y Hancock está rodeado aquí de un auténtico “dream team” de músicos que todos tuvieron grandes carreras en solitario (Freddie Hubbard a la trompeta, George Coleman al saxo, Ron Carter al contrabajo y Tony Williams a la batería). El propio Hancock está en la cumbre de sus capacidades y crea una atmósfera acuática absolutamente fascinante.
Bill Evans – Sunday At The Village Vanguard
La mayoría de los discos de jazz se grabaron en condiciones de directo, con todos los músicos en la misma sala, así que ¿por qué no grabar delante de un público para aprovechar esa energía preciosa que se intercambia con los intérpretes? Para este álbum de 1961, el pianista Bill Evans eligió el club Village Vanguard de Nueva York y se rodeó de una sección rítmica de ensueño con el contrabajista Scott LaFaro (autor de dos de los seis temas) y el baterista Paul Motian. La interacción entre los tres hace saltar chispas, y cada nota parece fruto de una larga reflexión por lo justa que suena.
Ornette Coleman – The Shape Of Jazz To Come
¿De qué año crees que es este disco? Pues sí: ¡1959! Algo debió de pasar en Nueva York aquel año… El saxofonista Ornette Coleman tituló su álbum “la forma del jazz por venir” y no mintió: para la época, era un verdadero OVNI. Hay temas que reaparecen a lo largo de las seis piezas, pero la mayoría del tiempo los distintos instrumentistas improvisan con total libertad, y la ausencia de piano hace que no haya acordes de acompañamiento. Con este solo álbum, Coleman inventa el free jazz y rompe definitivamente los referentes del género. Aún vivimos en ese mundo musical post-Shape Of Jazz To Come.
Thelonious Monk – Solo Monk
El pianista Thelonious Monk tocó con Art Blakey, Miles Davis, Sonny Rollins e incluso grabó un excelente disco a dúo con John Coltrane, pero nunca fue tan bueno como solo frente a su instrumento. Este álbum de 1965 presenta doce temas en los que se oye el genio de Monk en su forma más desnuda. Nada viene a suavizar los bordes, y sus falsas notas voluntarias resuenan con una profundidad muy particular. Su forma de tocar no se parece a nada, y puede parecer brusca y ruda a primera vista, pero basta volver a escuchar la increíble “Ruby My Dear” en este disco para oír la belleza salvaje que hay detrás.
Charlie Parker y Dizzy Gillespie – Bird and Diz
Bird es el apodo del saxofonista Charlie Parker, Diz es el diminutivo del trompetista Dizzy Gillespie. Ambos son referencias absolutas en sus respectivos ámbitos, y el encuentro de los dos en un estudio neoyorquino en 1950 sigue siendo un momento histórico del jazz. El espíritu de competición entre ambos es evidente y, en cuanto uno toma un solo después del otro, se percibe el deseo de tocar la frase que marque la diferencia. Para rematar, aparecen Buddy Rich (la principal influencia de John Bonham) y Max Roach a la batería, y Thelonious Monk al piano. Y eso… se nota.
Duke Ellington, Charles Mingus, Max Roach – Money Jungle
Este álbum de 1963 reúne a tres de los nombres más grandes del estilo, de todas las épocas: el pianista (y director) Duke Ellington, el contrabajista Charles Mingus y el baterista Max Roach. Aunque el Duque tenía veinte años más que su sección rítmica, la compenetración entre los tres ofrece una interacción tanto más bella cuanto más precaria: los tres se expresan con total libertad, y se nota que la “atadura” de la composición pesa poco frente al placer que sienten al tocar, pero siempre se encuentran y forman un verdadero sonido de conjunto.
The Brecker Brothers – Don’t Stop The Music
Cambio de época (estamos en 1978), cambio de estilo: el jazz integra funk e incluso disco en la batería, el canto y los arreglos de cuerdas. Como indica su nombre, los autores de este clásico de la fusión son dos hermanos: Michael Brecker al saxofón y Randy Brecker a la trompeta. El lado lírico de su fraseo ilumina de verdad un tema como “Funky Sea, Funky Dew”, y los encajes ultraprécisos recuerdan a Blood, Sweat & Tears, banda que contó con Randy entre sus miembros fundadores. Los dos hermanos se convirtieron en auténticas leyendas de estudio, ya que sus metales precisos y brillantes aparecen en los discos de numerosísimos artistas, como Frank Zappa, Parliament o Todd Rundgren.
Wes Montgomery – The Incredible Jazz Guitar Of Wes Montgomery
En 1960 no se complicaban con los títulos. Aquí todo queda claro desde la portada: “la increíble guitarra jazz de Wes Montgomery”. Y de hecho, es difícil encontrar un guitarrista de jazz que haya marcado más el mundo de la música en general que Wes. El sonido cálido y fluido que extrae de su Gibson L-5 tocada con el pulgar (con sus famosas octavas a la mano izquierda) es a la vez muy cercano a la voz humana y envuelve al oyente en un cómodo colchón sonoro. Si además está rodeado de colegas tan brillantes como en este gran clásico (¡su cuarto disco en dos años!), el nirvana de seis cuerdas está muy cerca…
